De migrantes a actrices

De migrantes a actrices

«Todas las Fuerzas», la película de Luciana Piantanida ganadora del BAFICI 2024 se estrena en cines este jueves. Una película de mujeres que cuidan, investigan y vuelan.

Todas las fuerzas, la nueva ficción de Luciana Piantanida, se estrena este jueves 15 de mayo en salas de cine. La película, que obtuvo el premio a Mejor Película de la Competencia Argentina en la 26ª edición del BAFICI, combina el realismo social con elementos del género fantástico, y está protagonizada por mujeres migrantes trabajadoras que debutan como actrices.

La cámara sigue a Marlene, una mujer boliviana que vive en la casa de la mujer mayor a la que cuida. Tiene un trabajo que es a tiempo completo, la tarea de cuidar no puede dejarse de lado, menos cuando pagan por eso. Sin embargo, todo cambia cuando se entera de la desaparición de una amiga. A partir de ahí, encuentra en la oscuridad de la noche, el momento para hacer su investigación que la lleva a descubrir una red de mujeres que, como ella, dan un brinco más allá de lo humanamente posible. En un entorno de precarización y trabajo en negro, ese carácter mágico surge como respuesta a todo lo que se les exige a sus cuerpos.

“No tengo idea de quiénes son mis vecinas”, confiesa Piantanida, que vive en el barrio de Once, lugar que se convierte en el punto de partida de la película. Desde esa pregunta nace el guion: una historia íntima y poderosa que aborda las tensiones de clase, las desigualdades y las tareas de cuidado desde una óptica descolonizante y feminista. “Esta película quiere ser un policial, pero sin policías, y en vez de detective privado tiene a una mujer migrante que se escapa de su trabajo para ir tras las pistas”.

La directora —que forma parte de la productora Pensar con las manos, junto a Andrea Testa y Francisco Márquez— construye un relato visual potente, donde los cuerpos desaparecen, vuelan, mueven objetos. Lo fantástico no es un escape, sino una forma de resistencia. “Los superpoderes nacen como una contraparte de todo lo que se le exige al cuerpo femenino. La sociedad desecha, no valora el trabajo de estos cuerpos, entonces ese carácter mágico muestra todas las potencialidades que tienen. Son poderes que salvan, que nos salvan del encierro”.

El elenco está compuesto por Celia Santos, Silvina Sabater, Andrea Garrote, Sandra Chavez Ordoñez, Sadhit Cruzado Crispin, Gabriela Trejo Farfán, Marina Espejo Choque, Victoria Choque Callata, Nieves Torres Colque, Fulvia Almirón Oviedo y Marcelo Estebecorena. La mayoría interpreta personajes que rara vez ocupan el centro de una narrativa cinematográfica: empleadas domésticas, cuidadoras, costureras. “Siempre las protagonistas del cine son de clase media. Esta vez no”, se remarcó en la rueda de prensa posterior a la función de prensa en DAC.

Con producción de Pensar con las manos y La Dupla, y coproducción peruana, Todas las fuerzas dura 70 minutos y se proyecta en castellano y quechua. Fue además ganadora del Fondo de Coproducción Minoritaria de DAFO (Perú), participó en “Copia final” de Ventana Sur 2024, y recibió el premio Marché du Films en el BAL BAFICI.

En definitiva, esta es una película de mujeres, sobre mujeres, hecha con mujeres. Una historia que pone en primer plano los cuerpos que cuidan, que buscan, que resisten y que, cuando nadie los ve, también vuelan.

El Eternauta, Malvinas y los nietos apropiados

El Eternauta, Malvinas y los nietos apropiados

El director Bruno Stagnaro, la productora Leticia Cristi, Martín Oesterheld (nieto del autor de la historieta) y Francisco Ramos, de Netflix, compartieron en la Feria del Libro detalles de la producción y lecturas sobre el suceso en que se convirtió la serie.

El protocolo de organización de una charla en la Feria del Libro es rutinario: se destina una sala y un horario, se arma una fila, como mucho veinte minutos antes del inicio y el ingreso del público se produce con la previsible calma. Sin embargo, este escenario es bien distinto al que se vivió la tarde noche del viernes en los pasillos del Pabellón Blanco de la Sociedad Rural. Desde las 18 la gente comenzó a afincarse en la puerta de la Sala Victoria Ocampo e, ignorando las órdenes del personal de la feria, armaron una fila improvisada que, media hora después, ya superaba en cantidad al aforo permitido de 250 espectadores. Todos esperaban participar de la charla “El Eternauta, la serie: del cómic a la pantalla”, pautada para las 20.30. Así, personas de todas las edades aguardaron pacientes el horario de ingreso compartiendo mates, charlas sobre el libro, cantitos futboleros que, a modo de broma, le dedicaban a los “cascarudos” y alguna que otra discusión entre los organizadores y los más rezagados en la fila que no pudieron acceder a la sala.

En tiempos donde surgen centenares de fenómenos digitales con millones de visualizaciones, que rara vez logran traspasar la pantalla y tienen su manifestación en las calles, El Eternauta viene a romper con esta regla. Es que la obra escrita por Héctor Germán Oesterheld interpela a su público más allá de la serie, lo conecta con su argentinidad, le genera orgullo y la siente como propia, aunque no haya vivido en la época en la que fue escrita o no haya formado parte de la producción de la serie. En este sentido, Bruno Stagnaro, director de la serie, recuerda el desafío que fue despegarse afectivamente de la historieta para adaptarla: “A mí El Eternauta me lo hizo conocer mi viejo a los 10 años. Él nos lo traía, a mí y a mi hermano, todas las semanas y era un ritual esperar ese día, la expectativa por leerlo, pelear por quien lo leía primero y demás. Cuando me metí en esto, me di cuenta que esa fue la experiencia de la mayoría. Entonces de eso, que está buenísimo y es el corazón de El Eternauta, yo me tenía que despojar para poder generar lo mismo. Ir al hueso de la historia para recuperar la emoción”.

 

A Stagnaro lo acompañaron Martín Oesterheld, nieto de Héctor German Oesterheld -autor de la obra- y asesor creativo de la serie; Francisco Ramos, vicepresidente de contenidos para Netflix en Latinoamérica y Leticia Cristi, productora de la serie. Todo esto bajo la conducción de la periodista Hinde Pomeraniec. El eje de la charla giró en torno al proceso de adaptación del guion y las dificultades de llevar a cabo una producción con las dimensiones que requiere la ciencia ficción. Francisco Ramos ahonda en esto: “Los espectadores de todo el mundo están acostumbrados a que el universo de la ciencia ficción les resulte ajeno, una cosa que nunca vamos a vivir, con naves espaciales y demás. En El Eternauta pareciera ser que todo lo que nos sucede nos podría pasar y creo que eso se percibe en todos los países”. Leticia Cristi, por su parte, cuenta su experiencia al producir la serie y los desafíos que tuvieron que afrontar junto a su equipo: “Por suerte el proceso de escritura fue largo y nos iba permitiendo desarrollar y pensar distintos caminos. Tuvimos muchas charlas con Bruno de lectura donde le decía ´me encanta lo que escribiste pero no tengo idea como se hace. Y un poco entre todos fuimos paso a paso, nos aventuramos con ingenio, profesionalismo, audacia y responsabilidad, al igual que lo hacen los personajes en la serie. Lo pudimos hacer gracias a que existe en el país una industria desde hace tantos años con gente muy calificada y profesional, así que también es de todos ellos”.

Martín Oesterheld atravesó un doble desafío. Por un lado, ser consultor creativo de la producción y, por el otro, la ligazón afectiva que lo une con la historieta y su historia familiar. “En el mundo del cine siempre se decía que era una historia maldita e inadaptable. Para mí no era ni maldita ni inadaptable, era improducible. Una vez que conseguimos ordenarla legalmente y nos acercamos, por una carambola, a Netflix, por un abogado argentino, las cosas se dieron. A mí hay dos cosas que me generan mucha emoción, la primera es que El Eternauta es la historia de un sobreviviente y, al actualizarlo, surgió la idea de que Juan Salvo sea un sobreviviente de Malvinas, eso se fue dando. Lo otro es que una de las locaciones que usó Bruno fue donde vivió los últimos años de su vida mi abuelo, el edificio del Rulero. Yo le decía a Bruno ´Mira vos, no te puedo creer´, se ve que era algo que estaba en el aire”. Por su parte, Stagnaro no desaprovechó la ocasión para explicar algunas decisiones que tuvo que tomar en la adaptación: “Adaptar la obra al presente fue de las primeras cosas que decidimos porque creo que respeta el espíritu del autor cuando hizo la obra. Oesterheld hace jugar todo el tiempo la ciudad como un personaje más y juega mucho con esta sensación de los lectores de estar transitando por los mismos espacios en los que transcurre la historia. Entonces nos parecía que si planteamos regresar la historia cincuenta años para atrás, esa ciudad era otra y no iba a dialogar tanto con la obra. Lo mismo pasa con las publicidades, que fue un tema bastante candente en estos días como si hubiera habido plata de por medio y en realidad todo lo contrario. La idea era captar esas publicidades tal como estaban como si fueran vestigios de una civilización que se está derrumbando”.

 

Ante la consulta de la conductora del evento, Hinde Pomeraniec, acerca de la elección de Ricardo Darín como Juan Salvo, el director reconoció: “Cuando Matías (Mosteirín, productor de la serie) me propone que sea Ricardo, yo inicialmente no lo veía por una cuestión relacionada a la edad, me parecía que al ser una historia muy física, íbamos a estar complicados, así que quedó ahí. Después, dándole vueltas, me di cuenta que la edad de Darín coincide con la que tendría un veterano de Malvinas y eso resolvía algo muy importante para mí en la adaptación que era el vínculo del personaje con el mundo de las armas. Uno está acostumbrado a verlo en las series de afuera y se da por sentado porque viene de sociedades donde eso tiene una proximidad, pero en la nuestra no, y está bueno que sea así. Entonces, de alguna manera, algo que parecía problemático como la edad de Ricardo, nos resolvió muchas cosas, sumado a que la Guerra de Malvinas es una herida que sigue vigente y me pareció necesario evocarla”.

Para finalizar, Martín Oesterheld recordó la lucha de su familia por la búsqueda de sus primos y reconoció el esfuerzo de Abuelas de Plaza de Mayo y la Comisión Nacional por el Derecho a la Identidad (CoNaDI): “La lectura que abrió la serie tiene que ver con lo que pasa en la serie y en la obra original, pero también con lo que la excede en términos del vínculo histórico cultural de lo que nos dice en tanto clásico y todo lo que tenemos para hablar todavía en la Argentina a partir de estas preguntas que aparecen. Entre ellas, nuestro trauma de los setenta y los nietos que tienen que aparecer. Pero esos canales ya existen, no necesitamos pedidos públicos, nosotros buscamos a nuestra familia hace muchos años, esos canales son Abuelas y  también CoNaDI, que está siendo absolutamente desfinanciada por este gobierno. Nuestra búsqueda es irrestricta, siempre estamos atentos a eso, no sabemos si se va a dar. Tenemos esperanza pero también informaciones que hacen que no tengamos toda la certeza. De todas maneras, hay mucha gente para buscar, no significa solamente ´busquemos a los Oesterheld´. Hay que entender qué pasa concretamente en las intimidades y eso Abuelas y CoNaDI lo tienen muy claro”.

Actuar para encontrar la verdad

Actuar para encontrar la verdad

Teatro x la identidad, el brazo artístico de Abuelas de Plaza de Mayo, celebra su 25° aniversario con una función especial en la Ciudad de Buenos Aires el lunes próximo. Una invitación gratuita a ejercitar la memoria.

Teatro x la Identidad nació en el año 2000 con un objetivo claro: colaborar en la restitución de los más de 500 bebés que fueron apropiados durante la última dictadura cívico-militar en Argentina. A lo largo de 25 años, la iniciativa impulsada por Abuelas de Plaza de Mayo, encontró en el teatro una herramienta artística para concientizar sobre el derecho a la identidad y promover la búsqueda de los nietos y nietas que aún desconocen su identidad. “No es solamente una función teatral, es una experiencia única y diferente a todo”, asegura Cristina Fridman, actriz y fundadora del ciclo en diálogo con ANCCOM.

El lunes 12 de mayo, el ciclo renovará su compromiso con una función especial en el Complejo Art Media (Av. Corrientes 6271, CABA), donde la experiencia se convertirá en un espacio de memoria y resistencia. Con entrada libre y gratuita, se presentará Hay Lugar, una intervención artística multidisciplinaria que invita al espectador no sólo a mirar sino también a participar y elegir de qué manera habitar el encuentro colectivo.

Dirigido por Juan Parodi y con la participación especial de Osqui Guzmán, Elvira Onetto, María Inés Sansemi, Eugenia Alonso, Vanesa Maja y Pablo Palavecino, el evento no será planteado como una obra de teatro sino como un cruce escénico entre la música, lo audiovisual y lo performático en tiempo real. “La idea es que el público participe y juegue junto con los actores y los músicos”, sostiene Fridman. Con esta propuesta inmersiva, el ciclo apuesta a llegar a un público más joven y distinto al que generalmente va a ver sus funciones. “Todo el tiempo nos planteamos de qué manera podemos ampliar nuestras propuestas”, menciona.

La memoria presente en todos lados

Durante estos 25 años, Teatro x la Identidad no sólo encontró en las tablas de un escenario un lugar de diálogo, sino que también extendió su propuesta artística a espacios no convencionales para acercar sus historias a nuevas audiencias. Con la creación de Teatro por la Identidad Itinerante, el ciclo logró instalarse en escuelas, plazas, espacios culturales, estadios de fútbol, cárceles e incluso excentros clandestinos de detención. Esta modalidad también permitió conectar con comunidades diversas y llevar el mensaje de la búsqueda y la memoria a cada rincón del país.

Al momento de repasar la historia de los itinerantes, Fridman recuerda una en particular, a la que define como “la más compleja”, ya que significó meterse en la boca de lo que tiempo atrás había sido el enemigo: Gendarmería Nacional Argentina. Pese a que iban a desarrollar una obra como ya lo habían hecho antes en múltiples espacios nacionales e internacionales, sabían que esta no sería una más del montón. “Teníamos que ir y ganarnos a un público que en general no le interesa ver este tipo de teatro ni escuchar lo que teníamos para decir”, comenta Fridman.

Para su sorpresa, al final de la presentación se armó un debate interesante en el que muchos de los aspirantes de la fuerza se animaban a preguntar sobre una historia de la que no tenían mucha información e incluso pedir disculpas por el accionar de personas que ni habían llegado a conocer. “Es un momento que atesoro porque fue único”, confiesa una de las fundadoras del ciclo. Probablemente se deba a que a lo largo de la obra no solamente abordaron el tema de la apropiación sino que también lo ampliaron a la cuestión de la identidad como argentinos y cada uno en su profesión. “Hablar de estos temas siempre moviliza e interpela”, asegura Fridman.

Un espíritu comunitario

Desde su conformación como asociación civil sin fines de lucro en 2004, una comisión de dirección se encarga de organizar los distintos eventos del ciclo, convirtiendo a sus miembros en productores activos del proyecto. Teatro x la Identidad también se consolidó como un movimiento que involucra a actores, dramaturgos, directores y productores comprometidos con los derechos humanos. A lo largo de los ciclos, artistas de renombre como Rita Cortese, Julieta Cardinali, Alberto Ajaka, Mauricio Dayub, Daniel Fanego y Marcelo Subiotto han puesto su voz y su talento al servicio de la lucha por la identidad y la memoria.

La entrada gratuita, que ha sido una de las banderas de la propuesta desde sus inicios, ha permitido el acceso y la democratización del arte. Cada función propone una reflexión sobre el pasado reciente de Argentina y el valor de conocer la verdad. “Es necesario tener un debate profundo y entender qué es lo que pasó, porque sino se va a volver a repetir”, sostiene Fridman.

Un cuarto de siglo después de su creación y en un contexto donde vuelven a aparecer discursos negacionistas, Teatro x la identidad se planta en escena con más fuerza que nunca. “El teatro siempre va a reflejar la realidad y eso no se puede tapar”, concluye Fridman

 Hay Lugar se podrá ver el 12 de mayo a las 20 en el Complejo Art Media (Av. Corrientes 6271). La entrada es gratuita y puede retirarse desde las 19:30.

 

 

La película que sigue rodando

La película que sigue rodando

A 40 años de su estreno, «Esperando la carroza» regresa a la pantalla grande en su versión remasterizada. Un recorrido por la historia de un clásico que no pierde vigencia.

“En Esperando la Carroza uno no ve una película de época, sino la realidad”, afirma Diana Frey, productora del film. La frase resume el espíritu de esta comedia que, cuatro décadas después de su estreno, vuelve a las salas desde este jueves, ahora con una versión remasterizada.

Dirigida por Alejandro Doria y basada en la obra de teatro del uruguayo Jacobo Langsner, la película retrata un almuerzo familiar que se ve interrumpido cuando desaparece Mamá Cora, una anciana de la cual ninguno de sus hijos se quiere hacer cargo. Mientras se desarrolla su búsqueda, afloran la desesperación y viejos resentimientos que dejan al descubierto vínculos marcados por tensiones económicas, prejuicios y mandatos familiares.

A lo largo de noventa minutos, grandes intérpretes del cine y el teatro como China Zorrilla, Luis Brandoni, Antonio Gasalla, Betiana Blum y Villa construyen personajes tan entrañables como contradictorios, que marcan el tono tragicómico de la película. Julio De Grazia, Lidia Catalano, Juan Manuel y Andrea Tenuta y la participación especial de Enrique Pinti y un joven Darío Grandinetti terminan de completar la escena familiar y contribuyen a intensificar el caos que se desata entre todos los partícipes de la historia. “Fue una bendición haber sido parte de esta película y también poder disfrutarlo mientras estoy viva”, manifiesta Villa.

La familia argentina en su máxima expresión

La historia pertenece al grotesco criollo, un género cuya creación se le atribuye a Armando Discépolo y que mezcla lo popular con lo absurdo y lo costumbrista con lo trágico. La contención familiar no obtenida y la ausencia de dinero son algunos de los temas que aparecen en este estilo de narraciones además de las locaciones que remiten a un ambiente cotidiano como una vivienda familiar o las calles del barrio. “La película se impregnó en el ADN cultural de la Argentina porque en todas las familias existe una posibilidad de verse identificada”, asegura Frey.

El film también funciona como guiño a La Nona, pieza teatral y cinematográfica estrenada en 1979 basada en el texto de Roberto Cossa, en donde una familia intenta satisfacer las demandas alimenticias de una abuela que se convierte en una carga imposible de sostener. Aunque ambas parten de los resabios de una sociedad marcada por las crisis económicas de la década del 70 y 80, en Esperando la carroza el foco está puesto en el egoísmo, el desprecio a la vejez y las tensiones familiares. “La película es un éxito porque retoma ciertas cuestiones de la cultura popular y pone el foco en la hipocresía social”, sostiene Villa.

Doria tenía en claro quién quería que personificara el personaje de Mamá Cora: la reconocida actriz Nini Marshall. Pero cuando ella se negó, rápidamente tuvieron que salir a buscar otra alternativa. Fue en ese momento que a Frey se le ocurrió que Antonio Gasalla –a quien había visto en el teatro en la piel de una señora mayor– podría ser una buena opción. “El personaje no era para un hombre, sino que era un papel para una mujer pero que lo haya interpretado Gasalla hizo que la película fuera menos dura”, admite Frey. Para la productora, que el dolor se haya vuelto parodia fue lo que permitió que los espectadores hayan podido empatizar con la historia y reído de lo que en otro contexto hubiese sido imposible.

De película subestimada a clásico indiscutido

Si bien hoy es considerada como una de las mejores producciones del cine nacional, en su estreno recibió críticas muy duras por parte de la prensa especializada y estuvo a punto de ser levantada de la cartelera por ser considerada demasiado grotesca. Sin embargo, lo que no logró en su lanzamiento lo conquistó en años posteriores, con repeticiones televisivas y con un creciente grupo de seguidores que hicieron de la película una experiencia colectiva.

Quizás el mejor ejemplo sea el tour carrocero, un recorrido gratuito organizado por fanáticos, en el que un domingo por mes, decenas de personas se reúnen en la casa chorizo ubicada en el barrio porteño de Versalles –que en 2011 fue declarada Patrimonio Cultural de la Ciudad de Buenos Aires– para visitar locaciones icónicas de la película, acompañados por intérpretes que representan las escenas en vivo. “Me parece una cosa increíble, no puedo entender de dónde viene tanta devoción”, confiesa Frey.

Esperando la carroza logró lo que pocas obras consiguen: trascender el cine y convertirse en un ícono de la cultura popular argentina. “Esta película es un excelente resultado artístico porque todo fue perfecto: desde el vestuario y la escenografía hasta el montaje y las actuaciones”, asegura Villa.

“Yo hago puchero, ella hace puchero. Yo hago ravioles, ella hace ravioles”, “Tres empanadas” y “¿A dónde está mi amiga?” dejaron de ser líneas memorables para convertirse en frases capaces de inmiscuirse en cualquier charla sin necesidad de otorgarles un contexto y,aun así, ser entendidas a la perfección.

A cuatro décadas de su estreno, la pieza sigue más vigente que nunca. No sólo logra atravesar generaciones, sino que interpela, conmueve e invita a reconocernos –y reírnos– de nuestras propias miserias.

 

El reestreno de Esperando la carroza está previsto para este jueves 8 de mayo en distintas salas del país.

Justicia perseguirás

Justicia perseguirás

A un año del triple lesbicidio ocurrido en Barracas, la organización Lesbianes Autoconvocades realizó una movilización en Plaza Colombia para exigir justicia y que el asesinato de Pamela Fabiana Cobas, Mercedes Roxana Figueroa y Andrea Amarante sea reconocido como un crimen agravado por el odio. Mirá las fotos de ANCCOM.

La palabra libera

La palabra libera

La Biblioteca Nacional exhibe “Cárceles. Narraciones del encierro (1878-2025)”, una muestra que reúne escritos de diversos géneros sobre y desde la prisión.

Hasta el 17 de agosto se puede recorrer la muestra “Cárceles. Narraciones del encierro (1878-2025)”, en la Biblioteca Nacional Mariano Moreno. Con  I Acevedo y Andrés Tronquoy como coordinadores, el espacio pone en relación una amplia variedad de registros textuales que permiten un recorrido por la historia política, social y de la literatura argentina hasta nuestros días mediante escritos de la cárcel para pensar la relación entre sociedad y castigo, cuerpo y escritura.

“Queríamos poner los edificios como una presencia, esos son edificios que se deciden construir de una forma determinada, que se deciden ubicar en un lugar determinado, que hacen como una sintaxis del país y de los cuales surgen un montón de relatos de adentro, surgen relatos desde afuera, surgen también mitos alrededor de esos lugares, también los fantasmas que generan después de sus demoliciones, los restos que quedan. Cómo eso dialoga también con su época, cómo dialoga posteriormente y cómo dialoga también en los distintos tipos de discursos y de texto”, contó Tronquoy.

Al ingresar a la sala José L. Ortiz, la pared y la puerta del lado izquierdo están intervenidas con fotos gigantes de las penitenciarías de la Isla Martín García, del expenal Buen Pastor de mujeres en San Telmo, el expresidio de Ushuaia y la cárcel de Devoto, reconocidas por hechos y los presos relevantes e históricos que albergaron. Cada imagen de fondo contiene información sobre el lugar de encierro, fotografías en blanco y negro como también a color que muestran su interior, un libro que habla sobre la prisión, recortes de periódicos que informan sobre algún suceso o publican una carta de lectores opinando sobre la prisión junto a las cartas de personas o de algún familiar de quienes habitaron el lugar de encierro. En esta sección llama la atención las cartas que los caciques enviaban al ejército pidiendo la liberación de las mujeres y los niños que había sido encarcelados en la Isla Martin García luego de la Conquista al Desierto.

“Quisimos que tuviera mucha escritura de personas presas. Tratamos de incluir discursos que fueran los que construyen la cárcel en Argentina, discurso científico y también en los medios de comunicación”, contó Acevedo y Tronquoy añadió: “El discurso científico, el discurso legal, el discurso literario, también la cuestión de la cultura popular en el medio de la militancia. Todo lo que se produce, las escrituras que se producen en la cárcel que tiene una potencia muy particular y también cuál es la reflexión colectiva desde los diversos tipos de discursos sobre la cárcel, desde el discurso criminológico, el discurso periodístico. Hay un montón de escrituras muy diversas desde sectores muy variopintos que hacen a una historia del país a través de esa mirilla”.

También nos encontramos con el surgimiento del discurso criminológico en nuestro país. La foto de la ex Penitenciaría Nacional, donde se institucionalizo la criminología, se encuentra acompañada por libros sobre el tema junto con imágenes en las que se retrataba a los presos para conocer el universo de los delincuentes y para estudiar los casos de “desviación sexual”.

“Enfocamos mucho en 1878 y el comienzo de Argentina, el Estado moderno, eso también coincide con el nacimiento de la cárcel moderna como se la conoce. Pasa lo mismo que con la literatura, nace un Estado moderno y también una historia de la literatura y de la cárcel. Todo parece estar nuevo en ese momento y con muchos recursos. Entonces podes ver una cárcel nueva como la Penitenciaría Nacional hecha según un modelo de un teórico como Bentham, que quizás escribió hace muy pocos años, o, teóricos de la criminología como Lombroso que son contemporáneos. Y cuando es el centenario de Argentina en 1910, los teóricos Lombroso y Ferry vienen al país, son los invitados principales. Es impactante cuando pensás que la historia de nuestro país, como se lo conoce, nace junto con todas esas cosas empezás a entender también cómo arranca la historia del Estado”, reflexionó Acevedo.

Pero al mismo tiempo podemos ver los discursos que disputan el monopolio del saber, como es el caso del diccionario del lunfardo y la prensa usando lo más espectacular, la relación entre aspecto físico y naturaleza interior. Como también la carta de lector que se opone a las ideas sobre la biología, sobre el discurso fisiológico de los delincuentes.

En una vitrina podemos encontrar un ladrillo y elementos hallados durante las excavaciones arqueológicas realizadas por la cooperativa Arqueoterra en el parque Las Heras, donde se encontraba la ex Penitenciaría Nacional hasta su demolición, como una manera de recuperar y visibilizar la historia de ese lugar.

En otra parte, un folleto que pide por la liberación de los detenidos de Bragado, un hecho poco conocido, nos introduce en la prisión política que comienza con el golpe cívico militar de 1930. Bajo una mirada higienista se comienza a establecer una distinción entre presos políticos y los presos comunes para evitar contagios. Se muestran fotografías, cartas del comité de liberación por los presos de Bragado, de los presos políticos y sus familiares. En este sector se puede ver cartas de los presos políticos que se exhibieron en una muestra anterior: Cartas de Dictadura.

En el fondo de la sala hay un mural de poesía donde se distingue el Diario de Poesía que contiene traducciones de poemas de Juan L. Ortiz que tradujo durante su detención. A su alrededor aparecen diversos poemas que hablan sobre las prisiones y reflejan otros sectores de la muestra como son el poema de Paco Urondo en la cárcel de Devoto, el de un anarquista sobre la prisión de Ushuaia y la canción Pabellón Séptimo del Indio Solari.

La exposición finaliza con la escritura en la cárcel en la actualidad. Una amplia, colorida y variada producción que se realiza en los lugares de encierro, en distintos formatos y soportes por medio de los programas de educación superior que funcionan en esos lugares. Algunas de esas producciones son publicadas por cooperativas, editoriales y talleres gráficos para circular por ferias, encuentros y redes relacionadas con la temática. Sin embargo, rara vez se la puede encontrar en las librerías o bibliotecas.

“Para nosotros también era muy importante resaltar, por eso la parte conclusiva un poco de la muestra, es la actualidad de los últimos 30 años, que en la cárcel se escribe mucho, dice Tronquoy y agrega: “Que una institución como la biblioteca, que muchas veces muestra documentos canónicos, también pueda mostrar y poner a la par de un escritor como Bioy Casares un texto inédito de una persona que está en la cárcel actualmente es muy valioso”.

La mayoría de los documentos que se exponen pertenecen al archivo de la Biblioteca Nacional eso les permitió a los coordinadores tener los materiales a su alcance a la hora de seleccionar los documentos para la muestra.

“Primero buscamos los materiales o los estudios académicos que nos dieran una guía bibliográfica. Por ejemplo, el libro de Lila Caimari Apenas un delincuente es un libro modelo porque habla de la historia del crimen en Argentina, la historia de la cárcel y ese libro fue un eje importante porque a partir de ahí tomamos el material de la hemeroteca, los diarios o las referencias a la literatura. Otro eje importante fueron varios estudios de Juan Pablo Parchuc, que pertenece al foco más contemporáneo, es uno de los responsables de UBA XXII, el programa de Educación en Cárceles de la Facultad de Filosofía y Letras y coordina, además, una red de Universidades Nacionales, gracias a todas las referencias de unos trabajos de él fuimos conectando un arco muy grande.  Hay otro estudioso, Pablo Arias, que hizo su libro con una beca de esta de esta biblioteca, de la Dirección de Investigaciones, que estudiaba cómo se encarceló en la isla Martín García que era un campo de concentración a los indígenas a fines del siglo XIX, y qué pasaba con las mujeres y los niños que eran distribuidos en la ciudad como servidumbre”, contó Acevedo.

Sin embargo, algunos registros fueron prestados para que los visitantes puedan conocerlos. Como es el caso de las cartas enviadas por los caciques, son una reproducción de material que se encuentra en el Archivo General de la Nación. Y un adoquín pintado junto a unas imágenes a color. “El adoquín esta prestado por un grupo de artistas del “Proyecto Martín García” y los recuadros con imágenes a color son de un video donde hacen una performance que consiste en sacar un adoquín de la calle Florida, que es algo que pertenecía a la Isla Martín García porque a los presos les hacían fabricar adoquines, los recuperan y lo llevan de vuelta a la isla”, concluyó I Acevedo.