Jul 5, 2018 | Culturas, Novedades, Te puede interesar
“El arte no es delito” fue el grito que reunió a cientos de artistas callejeros frente a las puertas de la Legislatura porteña este martes, para rechazar el Proyecto 1664-J-18 de modificación del Código Contravencional presentado por el jefe de Gobierno Horacio Rodríguez Larreta, que prevé sanciones por “ruidos molestos” en la vía pública.
“La intención es criminalizar el arte callejero y el trabajo autogestivo. Si nos prohíben la posibilidad de ejercer nuestro trabajo libremente nos obligan a la pobreza”, dispara Gonzalo Giuliano, que vive de sus shows callejeros de clown desde hace cinco años. La calle Perú estalló de narices rojas, malabares, tambores y guitarras que sonaron durante toda la tarde como manifestación del rechazo de más de diez organizaciones de artistas a la posible modificación del Artículo 85 del Código Contravencional que, aseguran, perjudicará el trabajo artístico en las calles de la ciudad. “Creemos que tiene que ver con privatizar aún más el espacio público. Lo que está detrás de esta medida es la venta o alquiler del espacio público en función de capitales privados”, denuncia Ana Clara, perteneciente a la agrupación Músicos Organizados.
El proyecto, que engloba una serie de reformas, fue enviado a la Legislatura el 5 de junio por Horacio Rodríguez Larreta y se encuentra en tratamiento en la Comisión de Justicia. La reforma del Artículo 85 consta del agregado de un párrafo en el que se detalla la penalización por “ruidos molestos” provenientes de la calle. Puede leerse allí: “Cuando el origen de los ruidos provengan de la vía pública la sanción será de dos (2) a diez (10) días de trabajo de utilidad pública, multa de cuatrocientos ($400) a dos mil ($ 2000) pesos o arresto de uno (1) a cinco (5) días».
“El arte no es delito” fue el grito que reunió a cientos de artistas callejeros frente a las puertas de la Legislatura porteña .
Además, la modificación establece la posibilidad de realizar denuncias de forma anónima: “Acción dependiente de instancia privada con excepción de los casos donde el origen de los ruidos molestos provenga de la vía pública”, se especifica. El proyecto de reforma aclara, por último, que “No constituye contravención el ensayo o práctica de música fuera de los horarios de descanso siempre que se utilicen dispositivos de amortiguación del sonido de los instrumentos o equipos, cuando ello fuera necesario”.
Los artistas aseguran que esta propuesta de modificación va de la mano con una actitud vigente por parte del Gobierno de la Ciudad para con el arte itinerante. “Los músicos ya vienen siendo hostigados en su actividad en la calle, lo que corre peligro con esta reforma es que el hostigamiento recrudecerá”, afirma Ana Clara. En el mismo sentido, Gonzalo agrega: “Nosotros nos vemos afectados muchas veces por la policía, que nos echa. Pero el público siempre nos defiende, siempre pone el pecho”.
Los artistas aseguran que esta propuesta de modificación va de la mano con una actitud vigente por parte del Gobierno de la Ciudad para con el arte itinerante.
En diálogo con ANCCOM, Daniel Presti, presidente de la Comisión de Justicia por el bloque Vamos Juntos, argumentó que la reforma no tiene nada que ver con el trabajo de los artistas en las calles. “La génesis del proyecto apunta al ruido que puedan llegar a hacer en la calle una o dos personas a la madrugada, que eso pueda llegar a molestar a terceros –dice-. No tiene nada que ver con los artistas callejeros. Nuestra intención es que ellos sigan trabajando de la misma manera que lo están haciendo ahora”. Presti asegura que la modificación que se intenta realizar al Código, que también enfoca en los llamados “trapitos”, es una política de Estado vinculada con la violencia de género: “Apuntamos a las agresiones diarias que sufren las mujeres en la Ciudad –dice-. Las mujeres se sienten afectadas si, por ejemplo, en una esquina va una persona y le exige plata, o va a estacionar un auto y un cuidacoches le exige plata. Nosotros creemos que estas circunstancias están relacionadas con lo que no se ve, a eso apuntamos”. La carátula de “ruidos molestos” quedará a interpretación del denunciante, a lo que el diputado reflexiona que “en caso de que haya una denuncia contra algún artista callejero yo confío en que el fiscal que lo aborde va a saber que la acusación no tiene ni pies ni cabeza”.
“Los artistas callejeros rompemos con el elitismo del arte, hacemos posible que las personas de la clase obrera, que tienen la plata justa para llegar a fin de mes, tengan la oportunidad de ver un espectáculo. Somos una vacuna al tedio y a la monotonía del día a día en la calle”, expresa Gonzalo sobre la importancia de poder ejercer el trabajo artístico en las vía pública. El próximo martes 10 de julio el colectivo de artistas volverá a manifestarse frente a la Legislatura para exigir la no implementación del proyecto de reforma.
May 23, 2018 | Entrevistas
Mejor artista masculino de tango de la década. Mejor cantante de tango por los discos Aníbal Troilo 100 años, grabado en el Teatro Ópera y Gardel Sinfónico, registrado con la Orquesta Sinfónica de Medellín en un concierto en el aeropuerto de esa ciudad. Nominado dos veces a los premios Grammy. Estos son algunos de los galardones que marcan el camino de Ariel Ardit, nacido en Córdoba en 1974 y que en diálogo con ANCCOM recorre su trayectoria y habla de los shows que brinda los miércoles de mayo a las 21 en Bebop Club (Moreno 364).
¿Cómo fue el inicio de tu carrera y qué te acercó al tango?
El inicio de mi carrera tiene que ver con que vengo de una familia de cantantes de folklore. Finalizando la secundaria mi mamá me preguntó qué quería estudiar, yo le dije que cantar, y empecé a tomar clases de canto lírico. Pasaron los años y en una de estas reuniones familiares donde siempre se cantaba reescuché la voz de Carlos Gardel, ya con la oreja de un estudiante de canto lírico, y descubrí el fascinante mundo de su canto. Yo seguí tomando clases con la intención de ser un cantante lírico en algún momento, pero el destino me tenía preparado un lugarcito con el tango. Sin querer pasé un día por el Boliche de Roberto, en Bulnes y Perón, alguien del barrio me conoció y sabía que yo cantaba, y canté mis primeros dos tangos; esto fue en 1997. Ahí empezó todo porque el Boliche de Roberto fue la vidriera donde me escucharon los muchachos de la Orquesta El Arranque, me tomaron una audición y empecé a trabajar profesionalmente como el cantor de la orquesta en 1999. Y a partir de ahí es que el tango ya me tomó para siempre.
¿Cómo fue tu experiencia con las giras?
Desde el año 1999 que fue mi primera gira a Europa, en estos veinte años siempre he viajado. Las giras lo que te dan es una gran experiencia artística pero también la experiencia de salir de la Argentina y ver el respeto que se tiene por nuestra música, y por la identificación cultural que nos da el tango. No me canso de decir que tal vez el embajador cultural más importante de la Argentina es el tango, y poder ser un transmisor y llevarlo por todo el mundo es algo que me llena de orgullo.
¿Qué sentís con los premios ganados?
Yo gané dos Carlos Gardel con el disco de Aníbal Troilo y con el disco del homenaje sinfónico a Gardel, también tuve dos nominaciones a los premios Latin Grammy con esos discos, y después gané el premio Konex como mejor artista masculino de tango de la década. La diferencia es que cuando uno es un cantante solista lo que hace es poner luz sobre el trabajo de muchísimas personas que trabajan en un disco. Disfruto de los reconocimientos y básicamente de compartirlos con la gente que trabaja conmigo y que muchas veces no tiene la oportunidad de exposición que tiene el cantante que sale en la foto.
¿Cómo fue el proyecto de Gardel Sinfónico en el Colón?
Yo vi un homenaje que se le hacía a Gardel en 1995 con orquesta sinfónica y los solistas de bandoneón más importantes que había en Buenos Aires. Ese año yo había empezado a tomar clases de canto y la sorpresa mía fue que el homenaje era instrumental y que nadie cantaba. Me quedé con la sensación, yo sin ser un cantante de tango en ese momento, que hubiesen estado bien representados también los temas de Carlos Gardel, que se habían hecho para cantar, con la presencia de un cantante. Pasaron los años y al conocer Medellín, hablando con la directora del aeropuerto Olaya Herrera, donde falleció Gardel, le dije que para mí sería importante hacerle un homenaje con orquesta sinfónica. En este caso sentí la necesidad de ofrecerme para hacerlo en el aeropuerto. El 24 de junio del 2015, al cumplirse ochenta años del fallecimiento de Gardel, pudimos hacer este homenaje sinfónico junto a la Filarmónica de Medellín. Luego quedaba un objetivo: el homenaje en el Colón, también por la anécdota de que Gardel era un asiduo concurrente al teatro y que nunca había podido cantar ahí. El 23 de febrero pasado pudimos realizar el homenaje sinfónico en el Colón.
¿Cómo son estos recitales de Bebop?
En Bebop estamos haciendo un trabajo más íntimo, es solamente con el piano. Siempre el primer trabajo es entre el piano y la voz y a partir de ahí se modula el trabajo orquestal. Por eso decíamos que nos debíamos este formato de piano y voz para llevarlo al público, que la gente conozca la posibilidad de hacer el tango desde la versión más íntima. También un poco era buscar un contraste entre el último disco sinfónico y llegar a resumir el tango a la mínima expresión. Estamos grabando un disco y un DVD para que el audio editado tenga un mejor recorrido en las redes: un disco íntimo, un diálogo entre el piano y la voz que seguramente va a tener un recorrido interesante desde la puesta y desde las imágenes.
¿Qué esperás para tu carrera después del ciclo de Bebop? ¿Qué significa el tango para vos en esta etapa de tu vida?
Me siento muy afortunado de poder llevar adelante todos mis proyectos con el tango desde que empecé a cantar, de poder tener la contención de un público que me es fiel y que responde, y que afortunadamente va creciendo y se va renovando. El tango, como siempre digo en estos casi veinte años de carrera profesional, me ha dado mucho y yo siempre estoy pensando en nuevos proyectos porque siento que al tango le tengo que devolver todo eso que todo el tiempo me está dando, devolvérselo en nuevos proyectos, en nuevos trabajos, en ser cada vez más serio en mis propuestas y en mis ambiciones. Si yo te lo tuviese que resumir te tengo que decir que hace veinte años el tango es mi vida.
May 23, 2018 | Comunidad, Novedades, Te puede interesar
Liliana Herrero, Juan Falú, Sudor Marika, Las Taradas y Juana Molina le pusieron calor y música a la fría noche de sábado. El festival, organizado por medios alternativos de Argentina y Brasil con la colaboración de organizaciones populares, se llenó pronto con los carteles de “Lula libre” y “Marielle vive”, más tarde sonaron los cantitos contra Macri y luego fue el momento de miles de bocas abiertas de par en par para la foto del grito poderoso de la noche.
Bajo la consigna “Latinoamérica en emergencia”, la plaza fue el reflejo de las problemáticas que cruzan a los dos países: el endeudamiento, la violencia institucional, el debilitamiento de la democracia y el avasallamiento de derechos civiles. “Hay una avanzada oligárquica importante, un mapa en el continente donde el neoliberalismo va poniendo sus fichas. En Brasil fueron a fondo y han puesto en prisión al único que puede poner freno a los grupos concentrados de poder”, afirmó Rafael Klejzer, referente del movimiento popular La Dignidad (MPLD).
El festival, al que asistieron unas 20 mil personas, contó con la presencia de artistas, referentes políticos y organizaciones populares.
Mientras tanto, en Curitiba, frente a la sede de la Policía Federal donde permanece detenido el ex mandatario brasileño, continúa la vigilia popular y hasta allí, gracias a las redes, llegaron las voces e imágenes del festival en Buenos Aires. Rogerio Tomaz, coordinador de Comunicación del Partido de los Trabajadores de la Cámara baja de Brasil, presente en la plaza, detalló que hay entre 500 y 600 personas acampando provenientes de distintos estados. “Casi todos los días hay algún tipo de ataque, ya sean ofensas verbales o agresiones físicas. Nos tiran piedras y hasta hemos sufrido dos ataques armados donde un compañero resultó herido de gravedad pero ya está fuera de peligro. Aguantamos, no nos iremos hasta que Lula salga en libertad”, declaró.
Mídia Ninja, medio brasileño independiente y autogestionado, participó activamente de la organización de Lula Festiva. Oliver Kornblihtt, uno de sus integrantes, se refirió a la Casa de la Democracia que instalaron en Curitiba, un espacio autofinanciado que alberga a periodistas y activistas que viajan de todo el mundo para cubrir la vigilia. “Hay mucha circulación, días en que llegamos a ser 70 personas trabajando. Se realizan debates, proyecciones, hay una sala de coworking con equipos de edición e Internet. Transmitimos en vivo todos los días a las nueve de la mañana el simbólico buenos días Lula y publicamos lo que sucede durante cada jornada”, explicó.
Las imágenes del evento llegaron, gracias a las redes, hasta Curitiba.
El otro reclamo fuerte del festival fue el de verdad y justicia por el asesinato de la concejala feminista Marielle Franco, de 38 años, el pasado 14 de marzo en Río de Janeiro. “Lo de Marielle podría haber pasado en otro momento como un asesinato más de una mujer negra y, sin embargo, se transformó en un símbolo. Lo que los asesinos han querido eliminar no lo han conseguido, porque como todos los símbolos Marielle se siembra en lucha y en rebeldía”, reflexionó la periodista Liliana Daunes después de la lectura de uno de los manifiestos de la noche. “No queremos ni golpes de Estado ni golpes a las mujeres”, sintetizó.
Una de las fundadoras del colectivo Ni una menos, Cecilia Palmeiro, dejó en claro que en estos casos el disciplinamiento funciona a la inversa ya que “matando a Marielle la convirtieron en un ícono para el mundo de la resistencia de las feministas, negras, lesbianas y faveladas. Renueva el compromiso con la lucha y nos muestra que nuestros cuerpos están en peligro y si no nos organizamos nos van a matar de a una”.
“Latinoamérica en emergencia” fue la consigna central del festival.
Sentada desde temprano en la segunda fila frente al escenario, Analba Brazao Texeira, referente del movimiento Articulación de Mujeres Brasileras (AMB), sostuvo: “El golpe en Brasil fue un golpe patriarcal y racista que fomenta y profundiza actualmente el odio de clase, a las personas negras y a las mujeres. La sociedad brasileña es muy machista y homofóbica, no soporta la resistencia y búsqueda de autonomía de las mujeres. Esa era una de las luchas diarias de Marielle”. También subrayó su preocupación por la asesora de prensa de Marielle, única sobreviviente de la balacera, quien tras prestar declaración para la reconstrucción del hecho debió exiliarse del país ya que su seguridad no estaba garantizada.
El pedido de verdad y justicia por el asesinato de Marielle Franco sonó fuerte en la plaza.
Luego de cantar acompañada por el guitarrista Juan Falú, Liliana Herrero, en diálogo con ANCCOM, expresó: “Si bien es un momento abismal en Argentina y Latinoamérica, estoy convencida que el arte y la música son una promesa de comunidad libre e independiente y en eso la política debería copiarnos un poco”. Se sumó a la conversación Silvia León, secretaria de Organización de la Asociación de Trabajadores del Estado (ATE), quien reivindicó el papel de las mujeres dentro de las estructuras sindicales, históricamente machistas. “Para que dejen de ser patriarcales debe conformarse un espíritu democrático y participativo que incluya la mirada de la mujer y nuestras formas de forjar alianzas y tomar decisiones”, remarcó.
Las siempre emotivas palabras de Nora Cortiñas, de Madres de Plaza de Mayo – Línea Fundadora, y las canciones de Juana Molina cerraron el festival. El grito “¡Marielle vive y queremos a Lula libre!” retumbó un buen rato, quizás con la esperanza de que se escuche en toda Latinoamérica.
May 8, 2018 | Culturas, Novedades, Te puede interesar
¿Sos fan de los Redondos? ¿Pero sos muy fan de los Redondos? Con estas preguntas empezaba el proyecto de Gabriel y Guadalupe. Todavía no tenía etiqueta y probablemente nunca la tendría. Poesía de Ricota finalmente tomó la forma de un experimento teatral que cargado de tragedia, contradicciones y paradojas del universo de Los Redondos funciona como una reversión de las canciones de Carlos El Indio Solari.
Gabriel Wolf se adentró en el mundo del teatro a través del grupo Los Macocos, emblemático conjunto teatral de los años 80. Ricotero de toda la vida, se preguntaba qué sucedería si se les sacara la música a las canciones del Indio. De la mano de Guadalupe Bervih, la co-directora, y con un elenco formado por Gabriela Biebel, Marina Garré, José Formento, Miriam Eva Rellán, Marcelo Saltal y Gustavo Slep, ambos directores comenzaron a formar diez micro-relatos , que , llenos de dramatismo, risas y metáforas, logran captar la atención del público en escasos minutos.
Poesía de Ricota se presenta todos los martes de mayo.
“Si se ríe, se conmociona de alguna manera, algo pasó en la función. Eso fue también el concepto con el que trabajamos. Tiene que pasar algo en esos dos o tres 3 minutos que dura el texto. Tiene que ser como un fósforo. El fósforo vos lo encendés y ¿cuánto dura prendido? Nada, dos minutos. Entonces esa imagen se la dimos a los actores. Que ellos tienen dos minutos para estar encendidos y que pase algo”, explica Gabriel.
“Es que en el minuto y medio que dura la representación tenés que generar un clima y un público que estén enganchados. ¿Para qué? Para que no decaiga la actuación. Porque vos no le podes entregar a tu compañero un público aburrido. Vos en esos minutos tenés que comunicar algo. Lo que se logra en 45 minutos de una obra, vos lo tenés que lograr en unos minutos”, agrega Miriam.
La obra se presenta en Pista Urbana, un bar ubicado en Chacabuco 874, San Telmo.
La interpretación de José Formento, una especie de maestro de ceremonia, se sale un poco de esa lógica del espectáculo, funciona como conector de los relatos. José comenta que la idea de su personaje -mucho más irónico y ácido- era romper con el código que establecía el resto del elenco, desde el vestuario, lo corporal y finalmente desde la dramaturgia con los textos. Nutriéndose de escritos del Indio Solari sacados de la revista Cerdos y Peces y de los discos, el personaje de José une a las distintas narraciones. “Buscábamos una suerte de comodín. Como que mi personaje se encarga de la costura, de ir cociendo, hilvanando. Soy como el puente entre los distintos bloques” expresa.
La locación fue otro de los factores que desencajaría a los actores. Tomando un lugar poco convencional, como Pista Urbana, un bar de San Telmo, los directores querían lograr que el espectador siempre estuviera cerca del actor; y que este se moviera entre las mesas, que no tuviera escenario estable y que llenara la sala de un dinamismo fugaz.
La interpretación de los actores busca romper los códigos del teatro convencional.
“A los actores, el escenario nos resulta un lugar muy seguro. Hacer un espectáculo donde se rompe con la idea de caja negra es todo un desafío porque uno está muchísimo más expuesto y eso también te modifica corporalmente. Es trabajar a 360 grados”, comenta José.
Miriam agrega: “Gabriel utiliza la imagen de pequeños atentados en un bar. Las canciones van surgiendo en distintos lugares del local y funcionan como atentados. Rompen con el espacio teatral. El espectador no sabe dónde tiene que dirigir la mirada, porque la voz sale de atrás o del costado. Entonces estas roturas hacen que la gente se vaya acomodando permanentemente. Y es lindo, porque implica tenerlos atentos a lo que va a venir”.
Las canciones rompen con el espacio teatral.
Poesía de ricota estará los martes de mayo a las 20 horas en Pista Urbana, Chacabuco 874.
Las interpretaciones buscan llevar al público a la conmoción.
Poesía de Ricota es un experimento teatral que reversiona las canciones ricoteras.
Mar 27, 2018 | Culturas, Novedades
Tres décadas atrás, un 26 de marzo, murió Miguel Abuelo, líder de una de las bandas fundacionales del rock nacional. Con una de las voces más destacadas de Argentina, una presencia hipnótica arriba del escenario y una personalidad y pluma arrasadoras, la muerte encontró a Miguel Ángel Peralta en el otoño del ‘88, a los 42 años y casi a la par de los otros dos grandes innovadores de esos tiempos: Luca Prodan y Federico Moura.
«Un poeta y un juglar», así el Flaco Spinetta había definido a Miguel.
En el ‘46, cuando todavía no había cumplido el mes de vida, su madre, Virginia Peralta, contrajo tuberculosis y Miguel fue internado en un orfanato, ya que nunca conoció la identidad de su padre. A los cinco años fue adoptado por el director de la institución, maravillado por la personalidad del pequeño. Y a los 12 regresó a vivir a Munro junto a su madre y a su hermana Norma, donde empezó a vincularse con la música, más precisamente con el folklore.
A fines de los ‘60 y a partir de una mentira, Miguel creó Los Abuelos de la Nada cuando acompañó a su amigo Alberto “Pipo” Lernoud a una reunión con Ben Molar, dueño de la discográfica Fermata. En aquel encuentro le aseguró al productor que tenía un conjunto. “Cuando le preguntaron sobre el nombre no tenía ni idea, entonces eligió algo del libro El banquete del Severo Arcángelo de Leopoldo Marechal, en el que en un momento se lee ‘padre de los piojos y abuelo de la nada’, y así surgió Los Abuelos de la Nada”, relata Marcelo “Chocolate” Fogo, bajista de la última formación y sobrino de Miguel Abuelo.
En Plaza Francia, lugar de reunión de hippies y bohemios de la época, nació la primera formación de Los Abuelos de la Nada. Estuvo integrada por Eduardo “Mayoneso” Fanacoa en teclados, los hermanos Lara, Miky en guitarra rítmica y Alberto “Abuelo” en bajo; y Héctor “Pomo” Lorenzo en batería. De esta temprana etapa, en la que graban en 1968 su primer simple Diana Divaga, también participaron otros músicos como Kubero Díaz, Miguel Cantilo, Claudio Gabis, Jorge Pinchevsky y un joven Norberto “Pappo” Napolitano. Pero la primera generación de Los Abuelos no duró demasiado, especialmente por problemas entre Miguel y Pappo, que generaron que la banda se disolviera un año después de su formación.
A principios de los 70, el entonces ex líder de la banda decidió exiliarse en Europa, escapando de la dictadura de Juan Carlos Onganía,. Allí vivió once años. “El rock estaba en un círculo vicioso de algunos pocos artistas, los que se habían callado la boca con el tema de la dictadura, un momento en el que las opciones eran o irse del país o empezar a hablar de otra cosa y Miguel fue uno de los que se fue”, recalca Chocolate Fogo, quien recuerda muy bien esos días. “Mi mamá (Norma Peralta) también tuvo que irse y lo hizo con Mercedes Sosa, que era su compañera de ruta. Al igual que cantidades de músicos que tuvieron que escapar de Argentina porque estaban en las listas negras”, agrega el músico.
En el Viejo Continente conoció a su esposa Krisha Bogdan, con quien tuvo a su único hijo, Gato Azul Peralta, y grabó un disco solista, Miguel Abuelo et nada. Pasó por Inglaterra, España, Holanda y Bélgica hasta que cruzó camino con el bajista Cachorro López, con quien surgió la idea de reflotar Los Abuelos de la Nada. De vuelta en Buenos Aires, rearmaron la banda con la que sería su formación más exitosa: Andrés Calamaro en teclados, Cachorro en bajo, Gustavo Bazterrica en guitarra, el saxofonista Daniel Melingo y Polo Corbella en batería.
Su primer álbum, Los Abuelos de la Nada, fue producido por Charly García, quién además los invitó a ser teloneros de su show de 1982 en Ferro. De ese primer trabajo, las canciones “Sin gamulán”, “Vasos y besos”, “Himno de mi corazón”, “No te enamores nunca de un marinero bengalí” y “Tristeza en la ciudad”, sin dudas marcaron la época. “Vi a Los Abuelos por primera vez con la segunda y mejor formación en el Cine Gran Ituzaingó y fue un show alucinante. Abuelo era increíble en el escenario, era pura energía”, recuerda con emoción José Moyano Prado, fanático de la banda.
La segunda formación editó en 1984 el segundo disco, Himno de mi Corazón y en paralelo Miguel lanzó un proyecto solista que bautizó Buen Día, Día. Por estos años, comenzaron en el grupo a producirse roces y desacuerdos. Como despedida, en 1985 editaron Los Abuelos en el Opera, un disco en vivo.
Ese año fue el último recital con esa formación en el festival Rock and Pop, que se llevó adelante en el estadio de Vélez, “famoso porque Miguel recibió un botellazo en la cara y después de ese episodio, tanto Andrés como Cachorro decidieron que era el momento de parar”, cuenta Fogo. Es así que a fines del 1985 Los Abuelos de la Nada se disuelven, una vez más.
Miguel Abuelo, Chocolate Fogo y Los Abuelos de la nada en 1987.
La tercera y última versión de Los Abuelos apareció en 1986: Juan del Barrio tomó los teclados, Marcelo “Chocolate” Fogo el bajo, continuó Polo Corbella en batería y se sumó el ya por entonces legendario guitarrista Kubero Díaz. Este último conjunto inició con el nombre de “Miguel Abuelo en banda”, “jugando un poco con la idea de que los otros habían dejado el proyecto abruptamente”, dispara Fogo, pero luego volvió al nombre original para lanzar el último disco de Los Abuelos: Cosas Mías. A esta altura la música de Miguel y los suyos llegaba a toda Latinoamérica.
“Formar parte de Los Abuelos de la Nada fue una experiencia única, una marca a fuego para el resto de mi carrera y de mi vida”, explica, emocionado, Fogo, quien se sumó a la banda siendo sólo un adolescente, pero de un talento prometedor. “Yo fui muy promiscuo con el tema del arte, específicamente con la música y la escritura, y Miguel detectó eso rápidamente, él era un gran buscador de cómplices para concretar sus obras”, rememora. Fogo se había formado no sólo viendo y escuchando a Los Abuelos y tomando clases con Cachorro López, sino trabajando en el “detrás de escena” con las formaciones anteriores.
En marzo de 1988, cinco días después de haber cumplido 42 años, Miguel Abuelo murió como consecuencia del VIH. Un poeta y un juglar, como lo definió el Flaco Spinetta, que irradió con su música y sus letras el valor de la libertad. Quizás las mejores palabras para recordarlo sean las que expresó su sobrino y amigo Chocolate Fogo: “Miguel era un personaje muy controvertido e impredecible, circense por momentos con toques líricos, un showman por supuesto, pero sobre todo fue un gran intérprete de su obra”.
